Desde que somos críos y agarramos un boli por primera vez, sentimos unas ganas irrefrenables de llenar márgenes, mesas y libretas de garabatos. Esa necesidad de pintarrajearlo todo no es un simple pasatiempo: es el germen de algo mucho más profundo, el mismo impulso que llevó a nuestros antepasados a trazar figuras en las paredes de una cueva, a levantar templos en mármol blanco o a pintar cuadros que hoy abarrotan museos. La serie Historia del arte en cómic, creada por el profesor y dibujante Pedro Cifuentes, arranca precisamente de esa pregunta: ¿qué nos mueve a crear imágenes y a convertirlas en arte?
A medio camino entre el tebeo gamberro y el manual de referencia, estos libros se han convertido en un proyecto didáctico pionero que utiliza la narrativa gráfica para explicar la evolución del arte desde el mundo clásico hasta el siglo XX (y más allá, si nos apuramos). Nada de tochos ilegibles ni listas de nombres para memorizar: aquí mandan las viñetas, el humor, los guiños culturales y una pandilla de alumnos que viajan en el tiempo de la mano de su Profe, alter ego del propio autor. El resultado es una colección que se disfruta como un cómic de aventuras pero que, casi sin que te des cuenta, te enseña qué es un estilóbato, cómo funciona el Barroco o por qué seguimos discutiendo sobre los mármoles del Partenón.
La colección Historia del arte en cómic nace como un proyecto educativo diseñado para acercar el arte a todos los públicos, pero con una diana muy clara: estudiantes del último ciclo de Primaria y de la ESO. Su creador, Pedro Cifuentes, es profesor de Sociales en un instituto de Castellón, y lleva más de una década probando en el aula cómo usar el cómic como herramienta de aprendizaje antes de lanzarse a esta aventura editorial.
La serie está pensada como un recorrido completo por la historia del arte a través de seis volúmenes de alrededor de 100 páginas a todo color, con un formato apaisado muy útil para proyectar las páginas en clase. La idea es que cada tomo pueda funcionar tanto como lectura autónoma, para disfrutarla en casa como quien se lee un buen tebeo, como material de apoyo en el aula con un fuerte componente didáctico, pero sin perder el ritmo ágil y el sentido del humor.
El motor narrativo es siempre el mismo: un profesor un tanto friki y sus alumnos —una pandilla que refleja bastante bien las inquietudes, bromas y referencias culturales de los chavales de hoy— se embarcan en viajes temporales que les llevan a convivir con artistas, dioses, escritores y personajes históricos de cada época. No se limitan a mirar las obras en una vitrina: se cuelan en templos, plazas, ciudades y museos, charlan con sus protagonistas y ven el arte en contexto, como parte viva de una cultura.
Lo interesante es que este planteamiento no se queda en un simple truco narrativo. Cifuentes es muy consciente de que la clave está en “enseñar deleitando” (docere et delectare): enganchar primero al lector con personajes cercanos, chistes visuales y referencias a la cultura popular (de Star Wars a Juego de Tronos), y aprovechar ese interés para colar conceptos de historia del arte, vocabulario técnico y debates actuales sobre patrimonio sin que resulte pesado.
Además, la colección se ha convertido en una obra de referencia dentro del ámbito educativo no solo por los cómics en sí, sino por el arsenal de materiales complementarios que los acompaña: láminas, murales, ejes cronológicos, fichas didácticas, juegos de memoria, recursos de gamificación… Todo ello pensado para que profesores y centros educativos puedan transformar las aulas en auténticos museos o templos griegos sin morir en el intento preparando materiales desde cero.
Qué es “Historia del arte en cómic” y por qué engancha tanto
La colección Historia del arte en cómic nace como un proyecto educativo diseñado para acercar el arte a todos los públicos, pero con una diana muy clara: estudiantes del último ciclo de Primaria y de la ESO. Su creador, Pedro Cifuentes, es profesor de Sociales en un instituto de Castellón, y lleva más de una década probando en el aula cómo usar el cómic como herramienta de aprendizaje antes de lanzarse a esta aventura editorial.
La serie está pensada como un recorrido completo por la historia del arte a través de seis volúmenes de alrededor de 100 páginas a todo color, con un formato apaisado muy útil para proyectar las páginas en clase. La idea es que cada tomo pueda funcionar tanto como lectura autónoma, para disfrutarla en casa como quien se lee un buen tebeo, como material de apoyo en el aula con un fuerte componente didáctico, pero sin perder el ritmo ágil y el sentido del humor.
El motor narrativo es siempre el mismo: un profesor un tanto friki y sus alumnos —una pandilla que refleja bastante bien las inquietudes, bromas y referencias culturales de los chavales de hoy— se embarcan en viajes temporales que les llevan a convivir con artistas, dioses, escritores y personajes históricos de cada época. No se limitan a mirar las obras en una vitrina: se cuelan en templos, plazas, ciudades y museos, charlan con sus protagonistas y ven el arte en contexto, como parte viva de una cultura.
Lo interesante es que este planteamiento no se queda en un simple truco narrativo. Cifuentes es muy consciente de que la clave está en “enseñar deleitando” (docere et delectare): enganchar primero al lector con personajes cercanos, chistes visuales y referencias a la cultura popular (de Star Wars a Juego de Tronos), y aprovechar ese interés para colar conceptos de historia del arte, vocabulario técnico y debates actuales sobre patrimonio sin que resulte pesado.
Además, la colección se ha convertido en una obra de referencia dentro del ámbito educativo no solo por los cómics en sí, sino por el arsenal de materiales complementarios que los acompaña: láminas, murales, ejes cronológicos, fichas didácticas, juegos de memoria, recursos de gamificación… Todo ello pensado para que profesores y centros educativos puedan transformar las aulas en auténticos museos o templos griegos sin morir en el intento preparando materiales desde cero.
El origen: un crowdfunding que se desbordó
Antes de llegar a las librerías de la mano de Desperta Ferro, “Historia del arte en cómic” arrancó como un proyecto de micromecenazgo en Verkami. La idea inicial era modesta: una primera tirada de unos 300 ejemplares del volumen 1, dedicado al mundo clásico, en rústica, apaisado, 104 páginas a color, con una pequeña colección de recompensas para apoyar la edición.
La respuesta del público, sin embargo, desbordó todas las previsiones. La campaña logró la financiación necesaria en apenas 48 horas, y en cuestión de días se superaron los 6000, luego los 9000 y se aspiró incluso a los 12000 euros. El entusiasmo de docentes, lectores de cómic y amantes del arte permitió no solo asegurar la existencia del primer tomo, sino ampliar el alcance del proyecto y enriquecerlo con nuevos extras didácticos.
A medida que se iban desbloqueando objetivos de financiación, Pedro Cifuentes fue anunciando nuevas recompensas: láminas en alta resolución de héroes de la mitología grecolatina, un juego de memoria en PDF con 20 parejas de imágenes de arte clásico, murales cronológicos y, como gran reto final, espectaculares “cutaways” o secciones ilustradas de edificios emblemáticos como el Coliseo, el Partenón o las Termas de Caracalla.
El propio autor insistió desde el principio en que su prioridad era mantener la calidad por encima de inundar el proyecto de merchandising. En lugar de chapas, camisetas y demás parafernalia, optó por invertir el éxito del crowdfunding en mejorar los materiales didácticos y ofrecer productos realmente útiles en el aula: murales gigantes de hasta 1×3 metros, listos para colgar en pasillos, bibliotecas o clases, y pensados como auténticas “ventanas” al mundo clásico.
La campaña también abrió la puerta a formatos especiales para centros educativos: packs con 10 ejemplares del cómic en su versión básica, más murales de gran formato para decorar espacios escolares, todo ello a precios reducidos y con tiradas limitadas para los primeros mecenas. La buena acogida animó al autor a planificar un calendario ambicioso: dos volúmenes por año hasta completar la serie en unos cinco años, siempre combinando cómic y recursos pedagógicos.
Una estructura en seis volúmenes para recorrer toda la historia del arte
La planificación general de la serie es la siguiente, tal y como se planteó en el origen del proyecto y se ha ido consolidando en la edición de Desperta Ferro:
- Volumen 1: El mundo clásico. Dedicado al arte griego y romano, sus mitos, arquitectura, escultura y legado en la cultura occidental.
- Volumen 2: La Edad Media. Un paseo por monasterios, catedrales góticas, manuscritos iluminados y el imaginario simbólico medieval.
- Volumen 3: El Renacimiento y el Manierismo. El redescubrimiento del clasicismo, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael y la revolución de la perspectiva.
- Volumen 4: La época del Barroco. Velázquez, Rubens, Rembrandt, Bernini y un arte exuberante, teatral y lleno de contrastes.
- Volumen 5: El siglo de las revoluciones. El arte del siglo XIX, de las academias al impresionismo y las primeras vanguardias.
- Volumen 6: Un recorrido por el arte contemporáneo. Del siglo XX hasta hoy: vanguardias, arte conceptual, museos modernos y debates actuales.
Cada tomo se organiza como una especie de viaje guiado por el Profe y sus alumnos, con paradas en lugares clave en un mapamundi: Atenas, Roma, Petra, el Museo Británico, catedrales medievales, palacios barrocos, talleres renacentistas, plazas del siglo XIX o galerías de arte contemporáneo. En cada destino se cruzan con artistas, pensadores y personajes literarios que se convierten en cicerones de lujo.
En los primeros volúmenes ya publicados, por ejemplo, el mundo clásico reúne a figuras como Safo, Homero, Heródoto o la diosa Atenea, que ayudan a entender cómo se forjó la estética grecolatina; mientras que en la Edad Media hacen aparición Averroes, un Guillermo de Baskerville que remite inevitablemente a El nombre de la rosa, Quasimodo y otros personajes que mezclan historia y ficción para ilustrar el imaginario medieval.
En los tomos dedicados al Renacimiento y el Barroco la plantilla se expande con génesis de la pintura y la escultura europeas: Leonardo da Vinci, con quien los personajes se hacen incluso algún selfie; Miguel Ángel y su David, que sirve para ejemplificar la recuperación del ideal clásico; Artemisia Gentileschi, reivindicada como una de las grandes injustamente olvidadas; Velázquez, con sus niñas y sus juegos de miradas; Rubens, Rembrandt, Caravaggio y su lado salvaje, o Bernini y Borromini como titanes de la escultura y la arquitectura barroca.
Esta mezcla de rigor histórico y guiños a la cultura popular hace que la serie sea perfecta tanto para quienes se asoman por primera vez al arte como para lectores ya curtidos que disfrutan cazando referencias a películas, cómics o novelas que se cuelan en segundo plano: de El señor de los anillos a La princesa prometida, pasando por El jovencito Frankenstein o La historia interminable.
El mundo clásico: del garabato en la cueva al mármol de Roma
El primer volumen, Historia del arte en cómic. Volumen 1: El mundo clásico, es quizá el mejor ejemplo de cómo funciona la fórmula de la serie. En sus algo más de 90 páginas, el lector acompaña al Profe y sus alumnos en un recorrido trepidante por la Grecia y la Roma antiguas, desde los primeros templos hasta las grandes ciudades del Imperio.
Aunque el foco está en el arte griego y romano, el viaje no se limita a una sucesión de fechas y estilos. Los protagonistas se plantan en Atenas para entender qué demonios es un estilóbato, se pierden por Micenas, viajan a Petra y Pompeya, levantan la vista ante la Columna Trajana y se topan con piezas emblemáticas como la Quimera de Arezzo o el David de Miguel Ángel, utilizado aquí como símbolo del redescubrimiento del clasicismo siglos más tarde.
Uno de los puntos fuertes del tomo es cómo consigue que los términos técnicos caigan casi por sorpresa. Entre chiste y chiste, el lector aprende vocabulario arquitectónico, reconoce órdenes clásicos, entiende qué diferencia un templo griego de uno romano o por qué ciertas esculturas se convirtieron en modelos universales. Cuando te quieres dar cuenta, ya sabes distinguir un capitel jónico de uno corintio sin haber abierto un manual plomizo.
El cómic no se olvida de la dimensión más cercana a nuestra geografía: hay un apartado especialmente vistoso dedicado a la Hispania romana, tratada como si fuera una panorámica cinematográfica. El lector recorre Tarraco, Segovia, Baelo Claudia, Itálica o Mérida, y visualiza cómo se integraban teatros, acueductos y foros en el paisaje de la península.
Por si fuera poco, el volumen está salpicado de pequeños guiños visuales pensados para los lectores más cinéfilos y amantes del arte. Entre columnas y frontones se cuela de vez en cuando un cuadro de Alma Tadema, unos Monty Python en tono socarrón o pequeñas bromas que desactivan el posible “síndrome de Stendhal” que podría provocar tanta belleza acumulada. El humor, una vez más, actúa como válvula de escape y como gancho para mantener la atención.
De la Edad Media al Barroco: más allá del eurocentrismo de manual
Tras el éxito del mundo clásico, el viaje continúa con La Edad Media, El Renacimiento y El Barroco, donde Cifuentes se permite jugar todavía más con las expectativas que arrastramos de estas épocas. La Edad Media, por ejemplo, deja de ser “esa cosa oscura entre Roma y el Renacimiento” para desplegar toda su riqueza: iglesias románicas, catedrales góticas que apuntan al cielo, vitrales, manuscritos ilustrados y una vida cotidiana mucho más diversa de lo que solemos imaginar.
En estos tomos se percibe con claridad otra de las obsesiones del autor: romper el eurocentrismo clásico de los manuales escolares. Aunque Europa tenga un peso evidente, no se la presenta como una burbuja aislada, sino en constante diálogo con otras culturas. Se alude a lo que está ocurriendo al mismo tiempo en América, África o Asia, y se recuerda que mientras en un lugar se levantan catedrales, en otro florecen civilizaciones con formas artísticas igual de complejas.
El volumen del Renacimiento aprovecha el magnetismo de figuras archiconocidas como Leonardo da Vinci, a quien los chavales terminan pidiéndole selfies entre bocetos y máquinas imposibles, o Miguel Ángel, que se convierte en puerta de entrada a cuestiones como la anatomía, la proporción o el uso del mármol. El lector asiste al nacimiento de la perspectiva, recorre talleres y cortes, y entiende por qué esa explosión creativa supuso un antes y un después.
En El Barroco, la apuesta sube de nivel. El Profe y los agentes de la historieta se atreven a codearse con gigantes como Velázquez, Rubens, Rembrandt o Caravaggio, además de visitar arquitecturas tan exuberantes como San Pedro del Vaticano, el palacio de Versalles, la Venecia de Canaletto o joyas lejanas como el Taj Mahal y Manila. Los lectores se cruzan con personajes emblemáticos como la joven de la perla o la infanta Margarita, que aportan rostro humano a cuadros mundialmente conocidos.
El Barroco, que en muchos manuales se despacha como un estilo recargado y poco accesible, se transforma aquí en una fiesta visual llena de claroscuros, dramatismo y anécdotas jugosas. Se explica por qué a Caravaggio se le considera “peligroso”, se desgranan las tensiones entre Bernini y Borromini, y se muestra cómo la pintura del norte de Europa juega con la luz de una forma completamente distinta a la de los grandes frescos italianos.
Un proyecto didáctico completo: cómic, murales, fichas y gamificación
Más allá del tebeo en sí, “Historia del arte en cómic” se ha consolidado como un auténtico ecosistema educativo. Cada volumen puede adquirirse solo en su versión de historieta (impresa y en PDF), pero existen también ediciones ampliadas que incluyen un completo desarrollo didáctico, pensado especialmente para docentes que quieran trabajar el arte en clase de forma diferente.
Entre los materiales más destacados se encuentran las fichas didácticas de las obras principales, que permiten profundizar en cada pieza con datos esenciales, preguntas para el alumnado, propuestas de actividades y cuadros comparativos. Estas fichas están pensadas para fotocopiarse, proyectarse o usarse en dinámicas de grupo en el aula.
Otro bloque importante lo constituyen los juegos de láminas coloreables en formato A4: esculturas griegas, bustos romanos, edificios de ambas culturas… Lejos de ser simples “dibujos para pintar”, se convierten en una forma muy efectiva de fijar formas, volúmenes y detalles arquitectónicos mientras el estudiante se entretiene con lápices y rotuladores.
El plato fuerte, sin embargo, son los murales de gran formato: un Panteón grecolatino ilustrado, ejes cronológicos gigantes que recorren siglos de historia o paneles dedicados a las Siete Maravillas del Mundo Antiguo. En algunos casos, Cifuentes ha llegado a realizar murales manuales de hasta 1×6 metros para decorar salas de profesores o espacios comunes, combinando arte, historia, cultura e incluso recetas gastronómicas de época.
Todos estos recursos se complementan con elementos de gamificación: juegos de memoria, retos, tablas de doble entrada y pequeños desafíos visuales que animan al alumnado a interactuar con el contenido en lugar de limitarse a escucharlo. El propio autor insiste en que no quiere crear un manual cerrado, sino un punto de partida flexible: los profesores reciben materiales gráficos de calidad, pero son libres de adaptarlos, mezclarlos y experimentar con ellos para enriquecer sus clases.
Idiomas, formatos y reconocimiento institucional
Una de las preocupaciones constantes del proyecto ha sido hacerlo accesible a la mayor cantidad de comunidad educativa posible. Aunque la primera edición del cómic se publicó en castellano —algo lógico para una tirada inicial reducida—, los materiales didácticos asociados se han preparado como mínimo en castellano, catalán, gallego, euskera, francés e inglés.
Quienes optan por versiones impresas de pósters o murales eligen un idioma para la impresión, pero reciben igualmente los archivos digitales en el resto de lenguas, lo que facilita su uso en centros bilingües o en contextos donde conviven varias comunidades lingüísticas. La versión en PDF del cómic, incluida para mecenas y compradores de determinadas ediciones, permite además proyectar las páginas en clase, imprimir fragmentos o preparar actividades sin limitaciones físicas.
El formato apaisado de los volúmenes no es un capricho estético, sino una decisión pensada para optimizar la visualización en pizarras digitales y proyectores. De este modo, el profesor puede desplegar una doble página completa en la pantalla del aula y trabajarla como si fuera una diapositiva interactiva, deteniéndose en detalles, preguntando al alumnado o conectando lo que aparece en las viñetas con otros contenidos curriculares.
No es casualidad que la labor de Pedro Cifuentes haya recibido el Premio Nacional de Educación para el Desarrollo, un reconocimiento que acredita la calidad de su trabajo como divulgador y como pionero del uso del cómic con fines didácticos. Antes de esta colección, ya había publicado obras como Los objetivos del Milenio en cómic o La aventura de los ODS, impulsadas por organismos como AECID y el Ministerio de Educación, además de serializar historietas en publicaciones en valenciano como Xiulit.
La transición desde el crowdfunding inicial a la edición profesional a cargo de Despertaferro Ediciones fue un paso natural: el éxito de la primera tirada hizo evidente que el proyecto tenía recorrido, y el autor necesitaba una estructura editorial que garantizase reediciones, distribución y continuidad de la serie sin que recayera todo el peso logístico sobre sus hombros.
Un autor-profesor que dibuja como enseña (o al revés)
Detrás de todo este tinglado está la figura de Pedro Cifuentes, un docente que suele reconocerse en clave de humor como alguien que se dibuja más guapo de lo que es en sus propias viñetas. Lleva más de diez años en el aula, y suele decir que la primera vez que entró en clase descubrió que tenía a su espalda la viñeta más grande del mundo: la pizarra.
Desde entonces, ha ido explorando las posibilidades de la Narrativa Gráfica como herramienta educativa, impartiendo cursos de formación, talleres y charlas sobre metodologías activas aplicadas a la enseñanza de la Historia y las Ciencias Sociales. Su obsesión es despertar lo que él llama el “Sentido de la Maravilla” en los chavales: esa mezcla de curiosidad y asombro que hace que el alumno quiera saber más por iniciativa propia.
Su estilo de dibujo es reconocible al instante: personajes simpáticos, expresivos, con un punto caricaturesco, que se mueven por escenarios muy trabajados, llenos de detalles históricos y referencias cruzadas. Junto a ellos, un personaje robaescenas: Lómper, un perrillo con debilidad por las columnas que hace de mascota y alivio cómico, hasta el punto de protagonizar su propio minicómic y ejercer, según bromea el autor, de “finisher” de sus trabajos.
En las páginas de Historia del arte en cómic se nota la mano de alguien que domina tanto el contenido como el medio. Cifuentes no se limita a poner bocadillos sobre imágenes: usa todos los recursos del cómic —montaje, ritmo, composición de página— para reforzar las explicaciones. Una elipsis sirve para saltar siglos, una secuencia paralela compara obras, un gag visual rompe la posible rigidez de un concepto teórico.
Quien se acerca a la serie con cierto bagaje histórico descubre continuamente pequeños datos que quizá se le habían pasado por alto, o se sorprende al ver cómo un concepto aparentemente árido se descompone en viñetas claras y memorables. No es extraño que muchos lectores adultos, incluso con formación en Historia del Arte, confiesen que han disfrutado como enanos y han aprendido detalles nuevos entre chiste y chiste.
Por qué esta colección debería estar en cada aula (y en muchas casas)
Mirando el conjunto del proyecto, se entiende por qué tantos docentes, reseñistas y lectores de distintas generaciones recomiendan Historia del arte en cómic como una obra que debería tener un hueco fijo en bibliotecas escolares y aulas de Secundaria. No solo por lo que cuenta, sino por cómo lo cuenta.
A diferencia de otros intentos de “acercar los clásicos a los jóvenes” que caen en la condescendencia o en la simplificación excesiva, aquí se parte de la idea de que los chavales pueden manejar conceptos complejos siempre que se les presenten con honestidad y buen ritmo. No se edulcoran los conflictos históricos ni se maquillan debates espinosos: se habla sin rodeos de destrucción del patrimonio, de expolio, de la polémica sobre la devolución de obras como los mármoles del Partenón o de las tensiones entre museos y países de origen.
Al mismo tiempo, la colección juega con el componente emocional y nostálgico para lectores más veteranos. Las series de los años 70 y 80 como Érase una vez…, los grandes volúmenes ilustrados de Bruguera o los libros de mitología que muchos sacaban de la biblioteca del colegio asoman como antecedentes espirituales de este proyecto, que actualiza aquel espíritu para una generación acostumbrada a YouTube, videojuegos y redes sociales.
En la práctica, estos cómics funcionan como un primer puente hacia lecturas más densas: quien se engancha aquí puede dar el salto después a manuales especializados, monografías o grandes historias del arte como las de Gombrich, pero lo hará con un mapa mental ya construido y con referentes visuales claros. Por eso muchos profesores los utilizan como introducción o como complemento, nunca como sustituto de otras fuentes.
“Historia del arte en cómic” demuestra que se puede hablar de columnas, estilóbatos, cronologías, revoluciones artísticas y debates patrimoniales con un lenguaje cercano, divertido y riguroso a la vez. Gracias a un Profe con sable láser, un grupo de alumnos muy de nuestro tiempo y un perrillo enamorado de las columnas, la historia del arte deja de ser un listado de nombres para convertirse en una aventura continua que va de las cavernas al Gernika, pasando por Atenas, Roma, monasterios medievales, palacios barrocos y museos contemporáneos. Y esa es, en el fondo, la gran victoria de este proyecto: lograr que alguien que nunca se había hecho la pregunta “¿qué es el arte?” acabe planteándosela con curiosidad y ganas de seguir leyendo.
